Hijo de un austero y humilde pastor protestante holandés,Brabante Septentrional. Su nombre fue el mismo que sus padres le dieron a su hermano mayor, que murió un año antes de que él naciera, a los pocos meses de vida. El primer paisaje que vio fue el de la tumba de su hermano muerto. Fue muy temperamental desde su infancia y siempre buscó la muerte, pero a través de la vida. Empezó a aficionarse a la pintura desde la escuela, en donde no era buen estudiante, pero durante toda su vida sí se enorgullecía de ser un gran autodidacta. Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar. Esto no lo rindió en su afición y trabajó con tres parientes suyos marchantes de arte en Londres. A su vuelta de Inglaterra se obsesionó con La Biblia y quiso hacerse teólogo y estudió para ello en la Universidad de Leiden.

Para demostrar su profunda creencia en la religión cristiana pidió ser misionero en varias compañías, pero fue rechazado por no saber ni latín ni griego, pero un dirigente se compadeció de él por su profundo fervor y lo mandó como misionero a las minas de Borinage, en Bélgica. Allí durante 22 meses dio todo lo que tenía a los mineros: ropa, dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas. Estuvo demasiado abstraído en la religión y muchos le llegaron a temer. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias.

Van Gogh recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. Vino al mundo en Zundert, donde su padre oficiaba de pastor protestante, y durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular. A los diecisiete años entró como aprendiz en Goupil & Co. -luego Boussod & Valadon-, importante compañía internacional de comercio de arte, ramo en el que su familia tenía, al parecer, alguna tradición. Además de en las oficinas de La Haya, trabajó en la sucursal de Londres entre 1873 y 1875. Tras ser destinado a París, donde ya había estado tres meses, la inadaptación de Vincent al negocio se hizo tan evidente que fue despedido. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor.

En 1880 empezó su etapa de pintar de forma regular y empezó retratando a campesinos, que según decía eran lo único natural que quedaba ante la irrupción de la sociedad industrial. Una de estas obras fue la llamada “Los comedores de patata”.
En 1886 se mudó a París, para vivir junto a su hermano menor Theo Van Gogh, quien sería el soporte más fuerte de su vida y de sus aspiraciones artísticas. Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían creciendo como pintor y como ser humano. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos. Van Gogh como muchos pintores de la época admiraba el arte japonés-cífrense: Hokusai, Hiroshige, Utamaro…, prueba de ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen pinturas de ese país a manera escenográfica.

En 1888 se instaló en Arlés al sur de Francia, con la intención de crear un taller de artistas en su casa, llamada la casa amarilla, el color favorito de Vincent. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, que se desplazó hasta allí. Vincent le hizo un cuadro de bienvenida, “La Habitación” y pasaron juntos una temporada, en la cual los desórdenes mentales de Vincent impidieron que la relación se mantuviera. En la tarde del 23 de Diciembre de 1888 Van Gogh y Paul Gauguin tuvieron un altercado en el cual se dijo que Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja. Más tarde esa noche Van Gogh volvió a la “Casa Amarilla” en Arles donde él vivía y se mutiló. Sosteniendo la navaja abierta en su mano derecha, rebanó su oreja izquierda, comenzando arriba en la parte de atrás y descendiendo de forma que toda la parte inferior de la oreja fue cortada de un tajo. Esto dejó parte de la porción superior de la oreja asida como una horrible solapa de carne. Van Gogh luego envolvió la oreja en un paño y se las arregló para ir a su burdel favorito donde le presentó este “regalo” a una prostituta. Llamaron a la policía y Van Gogh fue posteriormente hospitalizado. El tejido dañado de la oreja fue puesto en un frasco con alcohol en caso que se necesitara como evidencia. Algunos meses después fue desechado.

Regresó a Arlés junto con un amigo para ir a su casa, en donde descubren que sus cuadros estaban cubiertos por el moho y rasgados por los envidiosos vecinos lo que provoca otra depresión en él. Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas mentales, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Pero, la estrecha relación con su hermano, quien sostenía a Vincent económicamente, lo alentaba moralmente. Su comportamiento agresivo y solitario lo hacen ser un paria de los diferentes sitios donde habita y lo hacen vivir una vida de frustraciones amorosas al ser rechazado por cada una de sus pretendidas.

En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística en donde se inspiró en Rembrandt. En mayo de 1890 un amigo de Theo, el Doctor Paul Gachet, le invita a que le haga diversas consultas y como Vincent no tiene dinero le paga con un retrato del doctor. Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.

Finalmente, el 27 de julio sale a caminar por el campo, se dispara con un arma de fuego en el pecho y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado “Trigal con Cuervos”. Todos sus amigos acudieron a su pensión y Vincent no dejó de fumar en los dos días de agonía. En su entierro todos los que le conocían trajeron flores amarillas para su tumba. Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa nos da la noción de la calidad de Van Gogh; bástenos leer algunos fragmentos de tal poema: “…Regreso al cuadro de los cuervos;¿quién ha visto como, en ese cuadro, equivale la tierra al mar? el mar es azul pero no de un azul de agua sino de pintura líquida Van Gogh ha retornado los colores a la naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? aquél que supo pintar tantos soles embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección de las olivas, los aliscampos;…’El puente’, sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia,”.

Muchos historiadores comparten la teoría de que su locura podría deberse a que en su infancia tuvo que convivir junto a la tumba de un hermano que murió antes de su nacimiento y el cual se llamaba como él: Vincent van Gogh.

La paranoia de Van Gogh desemboca en el famoso episodio en el que se corta una oreja. Internado en el hospital, se recupera rápidamente, pero su excentricidad es cada vez peor vista por los vecinos de Arlés. En 1889 ingresa voluntariamente en el asilo de Saint-Remy, donde realiza los cuadros de cipreses y Noche estrellada, expuesta en los independientes ese año.

Vicent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 910 pinturas y 1100 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la de Vincent. El mayor impulso de su obra vino especialmente después de una muestra de 71 de sus pinturas, en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte).

La influencia de Van Gogh en el expresionismo, fauvismo y los principios del abstraccionismo fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de Van Gogh y a los de sus contemporáneos. El museo de Kröller-Müller en Otterlo (también en los Países Bajos), tiene una colección considerable de las pinturas de Vincent van Gogh.

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas más caras del mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de $53,9 millones en Southeby’s, Nueva York. En 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por $82,5 millones en Christie’s, así estableciendo un nuevo precio récord.

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Biografía

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser en 1580, 1581 ó 1585, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. En esta ciudad permanecería pocos años, pues en 1591, recibió el bautismo, ya en Haarlem, su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.

Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde su padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.

Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol. Teniendo en cuenta que pertenecía a la asociación oratoria De Wijngaertranken y la milicia cívica de San Jorge, fue miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem, el que tuviera malas costumbres y vicios conocidos, no parece empatar mucho con la rectitud y puritanismo de estas sociedades.

Comienzos

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.

Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la Sint-Lucasgilde, la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leyden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de Jacobus Zaffius (1611).

Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, aunque a juzgar por los hechos, esta unión no fue feliz. Algunos historiadores han documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por dar malos tratos a su primera mujer. Sea como fuere, es extraño que siendo Hals un pintor exclusivamente de retratos, no pintase en ninguna ocasión el rostro de Anneke. Sin embargo la unión duró poco, ya que ésta murió en 1616, dando dos hijos al pintor. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers con la que tuvo ocho hijos.

Consolidación: Entre el éxito y las deudas

La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge. Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hace muy habituales tanto de particulares como de instituciones.

Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida disoluta o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.

A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a atraer retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.

Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio sólo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento se vio obligada a ayudarle en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.

Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.

Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad, como homenaje póstumo al pintor. Su viuda murió poco después en un hospital de caridad de la beneficencia.

Características de su técnica pictórica

Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones (‘alla prima’), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases. Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.

Psicología del retrato

Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Él tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos de Hals, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.

“Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera” escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.

A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba “tal potencia y vida” que el pintor “parecía alcanzar el natural con sus pinceles”. Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: “Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo”.

Colorido preimpresionista

Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.

No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.

Temática

Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:

Retratos por encargo: Podríamos dividirlos en dos clases:
o Retratos individuales: Son imágenes eminentemente burguesas dedicadas a la decoración de las casas, generalmente a través de encargos dobles: retratos masculinos y femeninos que presidirían las estancias nobles de los hogares de Haarlem. Aparecen llenas de vida y en una actitud increíblemente natural y conseguida, poco común para lo habitual de esta pintura por encargo. Utiliza para caracterizar la propia psicología de los retratados generalmente, en actitud seria y solemne.
o Retratos colectivos: A encargo de sociedades o agrupaciones burguesas, Hals concede a todas las figuras un mismo trato preeminente, evitando personajes secundarios o subordinados. Se reflejan en estos cuadros de grupo el realismo psicológico y son ricos en cromatismo y efectos de luz dirigida a rostros y manos. Incluso en ocasiones sus honorarios le fueron pagados en vez por el lienzo en conjunto por persona pintada.
Retratos de tipos populares: Pintado con naturalidad y en actitud cotidiana. Son los desposeídos de su ciudad, a diferencia de los burgueses de alto poder adquisitivo de los encargos. Es pintura de género muy al gusto del Barroco, donde el estudio de la instantaneidad sobre las clases pobres suponen un estudio casi sociológico de esta parte de la sociedad excluida de las páginas de la Historia. Centra Hals en estos casos la atención más que en el físico del individuo en la personalidad integradora del momento captado.

Obra destacada

Según la temática referida en el punto anterior, de la obra de Hals podemos destacar los siguientes cuadros:

Pareja de esposos (1625): La singularidad de este cuadro estriba en que fue el único con el tema de los esposos en un paisaje, muy habitual en la pintura flamenca como es el caso de Rubens o Rembrandt. Tanto el tema como el entorno hizo difícil su atribución a Hals, que hoy es unánime. Algunos estudiosos identifican las figuras con un autorretrato del pintor con su segunda esposa Lysbeth, pero no se puede asegurar con fidelidad. Podría ser también una pintura de encargo por un matrimonio de la ciudad o modelos desconocidos, que era técnica común en la pintura académica, como cuadro de género.

La milicia cívica de San Jorge y San Adrián (1627): Estos dos lienzos son de los más destacable de los ocho retratos colectivos que atesora el museo Frans Hals de Haarlem. Representan escenas de banquetes de dos de las milicias cívicas de la ciudad, con las que el pintor estaba muy relacionado. Muestran el poderío y bonanza económica que vivía la ciudad. Estos aspectos son simbolizados, además de por el carácter afable de sus miembros, por el hecho de que se encuentren inmortalizados durante un banquete. El retrato de grupo es la gran aportación del genio holandés y no tenía precedentes en la retratística de la época. La luz de los lienzos destaca los rostros y las manos con la intención de hacer más notorio los gestos de sus figuras. El juego de luces, tomada del exterior, sirve para contrastar la sobriedad de los ropaje de estas asociaciones cívicas de carácter puramente calvinistas. Destaca también la posición de las figuras, de forma manierista y que van más allá de las meras personas sentadas en torno a una mesa.

Las rectoras y rectores del asilo de ancianos (1664): Son dos de las últimas grandes obras del pintor, pintadas por Hals, siendo ya octogenario. Es fácil de adivinar la impronta de decadencia, vejez y muerte en los lienzos, que puede reflejar su propia decadencia o incluso el desengaño del autor con la sociedad que permitió su propia penuria económica. A diferencia de otros cuadros colectivos, Hals usa colores primarios, básicamente negros y blancos, meramente extendidos por el lienzo sin pinceladas de precisión. Usa más que nunca el claroscuro al estilo de Caravaggio. Son curiosas las posiciones y la actitud tanto de los rectores como de las rectoras, adoptando formaciones desordenadas y mostrando falta de entendimiento con las miradas dirigidas a objetos dispares.

La cíngara o La gitanilla (1628-1630): Es el más conocido de sus retratos de tipos populares, uno de los mejores conservados y sin embargo uno de los más desconocidos. La identificación de una cíngara es casi eufemística, porque podría ser una prostituta, por la intención de que Hals la dotó con el uso de la luz rasante en el escote. La técnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holandés. Esto sirve perfectamente para la representación de gesto, un tanto agridulce de la muchacha. Prescinde Hals, como en la mayoría de sus retratos individuales de fondo paisajístico y la luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada.

Influencia

Frans influyó en su hermano Dirck Hals (1591-1656), que también se dedicó a la pintura. Dirck de otra forma y con mucha más libertad que su hermano pintó fiestas populares y bailes, sin embargo la falta de límites no se vio correspondida con la calidad pictórica del pintor.

* Cuatro de sus hijos siguieron su pasos en la pintura:
o Harmen Hals (1611–1669)
o Frans Hals hijo (1618–1669)
o Reynier Hals (1627–1672)
o Nicolaes Hals (1628–1686)

El más interesante de ellos es Frans Hals hijo, con cuadros de aldeas y granjas y excelentes bodegones.

* Otros de los pintores contemporáneos que tomaron inspiración del maestro holandés fueron:
o Jan Miense Molenaer (1609–1668)
o Judith Leyster (esposa de Molenaer) (1609–1660)
o Adriaen van Ostade (1610–1685)
o Adriaen Brouwer (1605–1638)
o Johannes Cornelisz Verspronck (1597–1662)
o Bartholomeus van der Helst (1613–1670)

Algunos de los citados fueron discípulos del taller de Hals. En su estudio De Groote Schouburgh (1718-21), Arnold Houbraken menciona a Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade y Dirck van Delen como discípulos. El profesor Vincent Laurensz van der Vinne añade a la lista de estudiantes del taller al hijo de Hals y a Pieter Gerritsz van Roestraten. Johannes Verspronck, retratista de Haarlem y contemporáneo de Hals, posiblemente también estudió con el maestro en algún momento.

Dos siglos después de su muerte, Hals consiguió revalorizarse e influyó en maestros como Claude Monet, Édouard Manet, Charles-François Daubigny, Max Liebermann, James Whistler y Gustave Courbet, así como en los holandeses Jacobus van Looy y Isaac Israëls. Tanto el Realismo como el Impresionismo del siglo XIX se vieron influidos en la temática o técnica de Frans Hals. Muchos de estos pintores visitaron el Museo Frans Hals en Haarlem, que guarda la mayor colección de cuadros de este pintor.

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 de julio de 1606 – † 4 de octubre de 1669) está considerado uno de los más grandes pintores en la historia del arte europeo, y el más importante en la historia de Holanda.

Rembrandt fue además un grabador experto, y publicó muchos dibujos. Sus contribuciones al arte tuvieron lugar en un período que los historiadores llaman la Edad de Oro holandesa, que corresponde aproximadamente al siglo XVII. En esa época, la cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política de Holanda alcanzaron su punto máximo.Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder.
Su tratamiento de la humanidad rebosa de simpatía.

Biografía

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. Fuentes poco confiables suponen que tuvo entre siete y diez hermanos. Su padre era molinero, y su madre, hija de un panadero. De joven asistió a la escuela de latín, y luego se inscribió en la universidad local, donde no estudió mucho tiempo, porque su interés principal ya era la pintura.Sus padres lo enviaron como aprendiz con un oscuro pintor de Leiden, Jacob van Swanenburgh, quien había vivido 25 años en Italia, e inició al joven Rembrandt en los rudimentos de la pintura. Después de un corto pero fructífero aprendizaje con Pieter Lastman en Ámsterdam, Rembrandt abrió un estudio en su ciudad natal, que compartía con sus amigos y con su colega Jan Lievens. En 1627 comenzó a aceptar alumnos, entre ellos Gerrit Dou.Rembrandt fue descubierto por el poeta y estadista Constantijn Huygens, padre de Christiaan Huygens. Alrededor de 1631, Rembrandt gozaba ya de buena reputación, y recibía encargos de retratos desde Ámsterdam. Como resultado de esto, se mudó a esa ciudad, a la casa de Hendrick van Uylenburgh, un vendedor de arte.

Esta mudanza llevó al casamiento, en 1634, con la sobrina nieta de Hendrick, Saskia van Uylenburg. Fue obviamente un matrimonio por amor. Aunque ella venía de una buena familia (su padre había sido burgomaestre de Leeuwarden), Saskia era huérfana y no poseía mucha riqueza. Ella había vivido con su hermana en Frigia y no tenía demasiadas conexiones sociales en Ámsterdam. Todas estas circunstancias, sin embargo son suposiciones de los historiadores.

En 1639, Rembrandt y Saskia se mudaron a una casa prominente en la calle Jodenbree, en el barrio judío, que posteriormente se convertiría en el Museo Casa de Rembrandt. Aunque se encontraban en una situación opulenta, la pareja tuvo varios problemas en su vida personal. Tres de sus hijos fallecieron a poco de nacer. Sólo el cuarto hijo, Titus, nacido en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642, probablemente a causa de tuberculosis.

A finales de la década de 1640, Rembrandt formó pareja con Hendrickje Stoffels, mucho más joven, quien inicialmente había trabajado como sirvienta en su casa. En 1654 tuvieron una hija, Cornelia, que le significó a Hendrickje un reproche oficial de la Iglesia reformada holandesa, por «vivir en pecado». Rembrandt no fue apercibido porque no era miembro de la congregación. Por esos años pintó Jesucristo y la mujer adúltera (1644).

Rembrandt vivió con sus propios medios, comprando muchos artículos de arte, y especialmente impresiones y rarezas, que probablemente causaron su bancarrota en 1656. Allí Hendrickje y Titus iniciaron un negocio de arte para sobrevivir. Como sea, la fama de Rembrandt no se desvaneció en esos años, ya que recibió un importante encargo para una cuadro grande de tipo histórico para el nuevo edificio del ayuntamiento.

Rembrandt sobrevivió a Hendrickje y a Titus. Finalmente, sólo su hija Cornelia quedó a su lado. La sentida muerte de su bienamado hijo le produjo gran tristeza, y poco después él mismo falleció, el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam, donde fue inhumado bajo una lápida sin nombre en el cementerio del oeste.

Obras

Sólo hay una frase conocida de Rembrandt describiendo lo que pensaba lograr a través de su arte: «el mejor y más natural movimiento» , que fue hallada en una carta escrita a uno de sus mecenas.No está claro si se refería al movimiento de los objetos en los cuadros, a la emoción generada en el observador, o a ambas cosas, constituyendo el tema un motivo de debate entre sus historiadores.

En total Rembrandt produjo cerca de 854cuadros, 300 aguafuertes, y 2.600 dibujos. Fue un prolífico pintor de autorretratos, pintando alrededor de 80 cuadros y 20 aguafuertes sobre el tema durante su larga carrera. Además nos dejó pinturas de su persona notablemente claras. Su mirada y —lo más importante— sus emociones nos permiten apreciar el infortunio y la tristeza que arrugan su rostro.

Entre las características prominentes de su obra se encuentra el uso del claroscuro, a menudo usando fuertes contrastes, lo que introduce al observador dentro del cuadro. Sus escenas vívidas y dramáticas destacan sobre la rígida formalidad que muestra la obra de la mayoría de los artistas de la época, junto con un profundo sentimiento de compasión por la raza humana, sin discriminación alguna por la fortuna o edad del sujeto.En sus cuadros aparecen a menudo los miembros de su familia; su esposa Saskia, su hijo Titus, y su concubina Hendrickje, incluso usándolos como modelos en pinturas de temáticas mitológica o bíblica.

Períodos, temas y estilos

Durante la época de Rembrandt en Leiden (1625–1631) fue notoria la influencia de Lastman. El joven Rembrandt abrió un taller, donde elaboró su primera obra inspirada en el apedreamiento de Esteban, denominado La lapidación de san Esteban. Los cuadros son bastante pequeños, pero ricos en detalles (por ejemplo en ropajes y joyas). La temática es principalmente religiosa o alegórica.Durante sus primeros años en Ámsterdam (1632–1636), Rembrandt utilizó grandes formatos y tonos fuertes representando escenas dramáticas. En esta época pintó muchos retratos. Otros cuadros tienen escenas bíblicas o mitológicas.A fines de la década de 1630, Rembrandt pintó varios paisajes, y grabó aguafuertes sobre la naturaleza. Los paisajes se muestran torturados por las fuerzas naturales, con árboles derribados por la tormenta, u ominosos cielos con nubes oscuras.

Desde alrededor de 1640, su trabajo se vuelve más sobrio, reflejando las tragedias familiares que sufre. La exuberancia es reemplazada por profundas emociones internas. Las escenas bíblicas derivan ahora más frecuentemente del Nuevo Testamento en lugar del viejo, como era el caso antes. Los cuadros vuelven a ser pequeños. Una excepción es el enorme cuadro La ronda de noche, el más grande que pintó, retornando con él a la expresividad y espíritu de las obras anteriores. Los paisajes de esta época son generalmente aguafuertes. Las fuerzas de la naturaleza dejan la escena para permitir tranquilas escenas rurales de Holanda.En la década de 1650, el estilo cambia nuevamente; los cuadros crecen en tamaño, los colores se vuelven más cálidos, las pinceladas más fuertes. Con estos cambios, Rembrandt se distancia de sus primeras obras y de la moda de la época, que se inclinaba cada vez más a trabajos finos y detallados. Con los años, los temas bíblicos aparecieron nuevamente, pero el énfasis varió de grupos dramáticos a retratos más íntimos.En sus últimos años, Rembrandt pinta algunos de sus más bellos autorretratos, mostrando un rostro donde la pena y la tristeza han dejado su marca.

Colecciones pictóricas

* En Holanda, la más notable colección de obras de Rembrandt se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, incluyendo Ronda de Noche, y La novia judía.

* Muchos de sus autorretratos se exhiben en el Mauritshuis de La Haya.

* Su hogar, preservado como Museo de la Casa Rembrandt, muestra muchos ejemplos de sus grabados.

* Colecciones importantes en otros países se encuentran en Berlin, San Petersburgo, Nueva York, Washington, DC, el Museo del Louvre en París y la Galería Nacional de Londres.

Principales cuadros

* 1629 – Un artista en su estudio (Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts)
* 1630 – La resurrección de Lázaro (Museo del condado de Los Angeles)
* 1630-35 – Turco (Galería Nacional de Arte, Washington, DC)
* 1631 – Retrato de Nicolaes Ruts (Colección Frick, Nueva York)
* 1632 – Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (Mauritshuis, La Haya)
* 1632 – Retrato de un noble oriental (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1633 – Cristo en la tormenta sobre el lago de Galilea (Museo Isabella Stewart Gardner, Boston [4])
* 1635 – La fiesta de Belshazzar (Galería Nacional, Londres)
* 1636 – El cegado de Sansón (Instituto Städel, Fráncfort del Meno)
* 1636 – Dánae (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
* 1642 – La ronda de noche (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* ±1643 – Cristo curando a los enfermos (Victoria and Albert Museum, Londres [5])

* 1647 – Vieja dama con un libro (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1650 – El filósofo (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1650 – El molino (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1653 – El sacrificio de Isaac (Museo Hermitage, San Petersburgo)
* 1653 – Aristóteles con un busto de Homero (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1654 – Betsabé en su baño (Louvre, París [6])
* 1655 – José acusado por la esposa de Putifar (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1655 – El buey desollado (Louvre, París)
* 1656 – Mujer ofreciendo un clavel (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1656 – Jacob bendiciendo a los hijos de José (Staatliche Kunstsammlungen, Kassel)
* 1657 – El apóstol Pablo (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1658 – Autorretrato (Colección Frick, Nueva York)
* 1659 – Jacob luchando con el ángel (Gemäldegalerie, Berlín)
* 1659 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1660 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1660 – Retrato de un caballero con sombrero alto y guantes (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1660 – Retrato de una dama con abanico de pluma de avestruz (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1661 – Conspiración de Julius Civilis (Museo Nacional, Estocolmo [7])
* 1662 – Sociedad de tejedores (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* 1662 – Retrato de hombre con galera (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1662-63 – Joven sentada en una mesa (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1664 – Lucrecia (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1664 – La novia judía (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* 1666 – Lucrecia (Instituto de Arte de Minneapolis)
* 1669 – La vuelta del hijo pródigo (Museo Hermitage, San Petersburgo)

Artículos relacionados

• Frans Hals (1582/1583–1666)
• El Siglo de Oro (1600 – 1700)
• Vincent van Gogh (1853-1890)
• Anne Frank
• Museos en Amsterdam
• La lucha neerlandesa contra el agua 1953
• El rey Guillermo I (1813)
• La Unión de Utrecht (1579)
• La Guerra de los Ochenta Años (1568)
• Los dominios borgoñones (1419-1467)

Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Se unió a la armada neerlandesa y fue allí donde empezó a rodar y a hacer sus primeros documentales. Abandonó la armada y se metió en la televisión neerlandesa, donde desarrollaría estas nuevas habilidades que había adquirido rodando documentales para el ejército. Su primer gran éxito fue la serie de televisión Floris, en 1969, protagonizada por Rutger Hauer. Su primer largometraje fue estrenado en 1971, Wat Zien Ik?, aunque no fue especialmente bien recibido. Su primer éxito a nivel nacional llegaría en 1973 con Turks Fruit cuya traducción al castellano es Delicias turcas, protagonizada por Hauer y nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Empezó así a forjar su reputación y continuó con éxitos internacionales en menor escala, llegando a ganar el Globo de Oro con Soldaat van Oranje. Finalmente se trasladaría a Estados Unidos. El hecho de cruzar el Atlántico pudo también haber sido el resultado de su resentimiento hacia el sistema cinematográfico neerlandés. Su trabajo era visto allí como demasiado comercial y no había obtenido el reconocimiento que pensaba que merecía.

Trabajar en los Estados Unidos supuso un drástico cambio de estilo, y empezó a dirigir grandes éxitos con muchos efectos especiales, violencia y enormes presupuestos, como Robocop (1987), protagonizada por Peter Weller y Desafío total (1990), con Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone. Siguió el camino marcado por estos éxitos con la provocadora Instinto básico (1992), en la que repitió con Stone, y la sensual Show Girls (1995). Después de estas cintas, regresó a la violencia y a los efectos especiales que habían marcado sus anteriores películas, en cintas tales como Starship Troopers (1997) y El hombre sin sombra (2000).

Si hubiese que definir el estilo de Verhoeven (dejando de lado el hecho de haber utilizado la ciencia ficción como tema principal en sus películas más taquilleras), sería quizás la forma en la que es capaz de retratarnos una sociedad (del pasado, del presente o del futuro) polarizada en una clase alta, elitista, incluso snob, por un lado, y una clase baja, humilde y enfrentada al problema de sobrevivir al día a día, por otro, y lograr situar una al lado de otra, equilibrarlas, a través de una orgía de sangre y casquería. La muerte nos hace a todos iguales.

Filmografía

* Een Hagedis Teveel (1960)
* Niets Bijzonders (1961)
* De Lifters (1962)
* Feest (1965)
* Her Korps Mariniers (1971)
* Portret van Anton Adriaan Mussert (1971)
* De Worstelaar (1971)
* Wat Zien Ik? (Delicias holandesas) (1971)
* Turks Fruit (Delicias turcas) (1973)
* Keetje Tippel(Katy Tipel) (1975)
* Soldaat van Oranje(Eric, oficial de la reina) (1977)
* Voorbij,Voorbij (1979)
* Spetters (Vivir a tope)(1980)
* El cuarto hombre (De Vierde Man) (1983)
* Los señores del acero (Flesh & Blood) (1985)
* Robocop (1987)
* Desafío total (Total Recall) (1990)
* Instinto básico (Basic Instinct) (1992)
* Showgirls (1995)
* Starship Troopers: Las brigadas del espacio (Starship Troopers) (1997)
* El hombre sin sombra (Hollow Man) (2000)
* El libro negro (Black Book) (2007)

Artículos relacionados

• Vincent van Gogh (1853-1890)
• La Unión de Utrecht (1579)
• Pieter Cornelis Mondriaan
• Anne Frank
• La abdicación de Guillermina (1948)
• El Siglo de Oro (1600 – 1700)
• La República de las Provincias Unidas (1588)
• La Guerra de los Ochenta Años (1568)
• El imperio romano
• Frans Hals (1582/1583–1666)

Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1907 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam, siendo su maestro A. Allebé.

Comenzó su carrera como un maestro en la educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período es naturalista o impresionista, siendo en gran parte paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa pintan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de “La escuela de La Haya”, siendo en ese momento un sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas, documentando su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde obscuro son las más representativas de su momento inicial, e ilustran la influencia de los varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, colores a los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.

En exhibición en el Hague’s Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como “El Molino Rojo” y “Árboles a la Luz de la luna”. Otra pintura, Avond (“Tarde”) (1908), que presenta una escena de parvas (o, niaras) en un campo durante el crepúsculo es cuadro agorero de los desarrollos futuros de este pintor, usando una paleta que consiste casi completamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, “Avond” es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.

Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1908, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con los reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a saber las raíces de su abstracción futura.

Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los “Moderne Kunstkring” 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Vida tranquila con una olla de jengibre). La version cubista de 1911, y la abstracta de 1912, en la segunda version el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.

Estuvo en París entre 1911 y 1914, recibiendo la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyeron un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la “revolución cubista”. Es el pintor más importante del grupo.

En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo “Cercle et carré” y en 1931 a “Abstraction-Création”. En 1938 se marchó a Londres y, en 1940, a los Estados Unidos.

En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.

La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.

Filosofía estética de Mondrian

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que solo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».
En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Busca, en suma, un “arte puro”, despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos. Mondrian abandonó De Stijl.

Valoración

Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl, que fue fundado por Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

Obra

* Árbol rojo (1909-1910)
* Árbol verde (1911)
* Composición oval (Estudio de árbol) (1913)
* Composición en rojo, amarillo y azul (1921)
* Cuadro I (1921), Col. Müller-Widmann, Basilea.
* Composición II; composición con azul y rojo (1929).
* Broadway Boogie-Woogie (1942-1943)
* Victory Boogie-Woogie (1943-1944)

fuente ;Wikipedia.org

Artículos relacionados

• Vincent van Gogh (1853-1890)
• Frans Hals (1582/1583–1666)
• Rembrandt Van Rijn (1606-1669)
• Anne Frank
• El Siglo de Oro (1600 – 1700)
• Las Indias Neerlandesas (1870)
• La Segunda Guerra Mundial (1940 – 1945)
• Creación del partido SDAP (1894)
• La alta Edad Media
• Museos en Amsterdam

Biografía

Nació en Fráncfort del Meno (Hesse), siendo la segunda hija de Otto Heinrich Frank (*12 de mayo de 1889 – †19 de agosto de 1980) y su mujer Edith Hollander (*16 de enero de 1900 – †6 de enero de 1945), una familia de patriotas alemanes que habían participado en la Primera Guerra Mundial. Tenía una hermana mayor, Margot Frank (*16 de febrero de 1926 – †marzo de 1945). Junto con su familia, tuvo que mudarse a Ámsterdam, huyendo de los nazis. Allí le regalaron un diario al cumplir los trece años. Muy poco después, su familia tuvo que ocultarse en un escondrijo, el Achterhuis, situado en un viejo edificio en el Prinsengracht, un canal en el lado occidental de Ámsterdam, y cuya puerta estaba escondida tras un estantería. Allí vivieron durante la ocupación alemana, desde el 9 de julio de 1942 hasta el 4 de agosto de 1944.

En el escondite había 8 personas: sus padres, Otto y Edith Frank; ella y su hermana Margot; el señor Dussel, un dentista judío cuyo nombre real era Fritz Pfeffer, y el señor y la señora van Daan con su hijo Peter (cuyo apellido real era van Pels). Durante aquellos años, Anne escribió su diario, en el que describía su miedo a vivir escondida durante años, sus nacientes sentimientos por Peter, los conflictos con sus padres, y su vocación de escritora. Pocos meses antes de ser descubiertos, empezó a reescribir su diario con la idea de publicarlo tras la guerra.

Tras más de dos años, un informador holandés guió a la Gestapo a su escondite. Fueron arrestados por la Grüne Polizei y, el 2 de septiembre de 1944 toda la familia fue trasladada en tren de Westerbork a Auschwitz, viaje que les llevó tres días. Mientras tanto, Miep Gies y Elly Vossen, dos de los que los protegieron mientras estuvieron escondidos, encontraron y guardaron el diario.

Anne, Margot y Edith Frank, la familia van Pels y Fritz Pfeffer no sobrevivieron a los campos de concentración nazis (aunque Peter van Pels murió durante las marchas entre campos de concentración). Margot y Anne pasaron un mes en Auschwitz-Birkenau y luego fueron enviadas a Bergen-Belsen, donde murieron de fiebre tifoidea en marzo de 1945, poco antes de la liberación. Sólo Otto logró salir de los campos de concentración con vida. Miep le dio el diario, que editaría con el fin de publicarlo con el título “El diario de Anna Frank”, que ha sido ya publicado en 55 idiomas.

Al cumplir trece años, el 12 de junio de 1942, Anne recibió un pequeño cuaderno que había señalado a su padre en una vitrina unos días antes. Si bien se trata de un libro de autógrafos, empastado en tela a cuadros rojo y negro, con una pequeña cerradura en el frente, Anne ya había decidido que lo utilizaría como diario. Empezó a escribir en él casi inmediatamente, describiéndose ella y su familia así como su vida diaria en casa y en el colegio; utilizaba como frase introductoria “Querida Kitty”. Escribió sobre sus resultados en clase, sus amigos, chicos con los que simpatizaba y los lugares que prefería visitar en su vecindario. Si bien estos primeros escritos en su diario muestran que su vida era en muchas formas la vida típica de una escolar, también reseña los cambios que se van implantando desde la ocupación alemana. Algunas referencias parecen casuales y sin gran énfasis, sin embargo en algunas entradas describe con mayor detalle la opresión que cada día va en aumento. Escribió acerca de las estrellas que todos los judíos estaban obligados a portar en público, y también enumeró algunas de las restricciones y persecuciones impuestas en la vida cotidiana de la población judía de Ámsterdam.

En julio de 1942, Margot Frank recibió un aviso ordenándole presentarse para deportación hacia un campo de trabajo. Anne fue entonces informada de un plan que Otto había preparado con sus empleados de mayor confianza, y que ya conocían Edith y Margot desde hacía pocos días. La familia se escondería en cuartos camuflados en las instalaciones de la empresa en la Prinsengracht, una calle al borde de uno de los canales de Ámsterdam.

El 8 de julio de 1942, la familia se mudó al escondite preparado. Su apartamento fue dejado en desorden para hacer pensar que había sido abandonado de manera súbita, y Otto Frank dejó una nota de la que se podía deducir que habían logrado escapar hacia Suiza. Como los judíos no podían utilizar los transportes públicos debieron caminar varios kilómetros desde su casa hasta el refugio, portando cada uno todas las vestimentas que pudieron, dado que no podían correr el riesgo de ser vistos con equipajes. El achterhuis (palabra holandesa para referirse a la parte trasera de una casa) era un espacio de tres pisos en la parte trasera del edificio con acceso a un patio detrás de las oficinas de Opekta. En el primer nivel había dos pequeñas habitaciones, con un baño adjunto. Sobre este se encontraba una gran habitación, con otra más pequeña adjunta. De esa habitación pequeña se subía hacia el ático. La puerta del achterhuis fue cubierta con una estantería para que no pudiera ser vista. Anne se referiría más tarde a este espacio como el Anexo Secreto. El edificio principal, situado a una cuadra de Westerkerk, era un edificio banal, típico de los edificios de los barrios del oeste de Ámsterdam.

Victor Kugler, Johannes Kleiman, Miep Gies y Elisabeth “Bep” Voskuijl eran los únicos empleados que sabían del escondite y junto con Jan, el esposo de Gies y Johannes Hendrik Voskuijl, el padre de Voskuijl, eran quienes ayudaban a los Frank a sobrevivir durante la duración de su confinamiento. Ellos eran el único contacto entre el exterior y los ocupantes de la casa y los mantenían informados de las noticias de guerra y de los eventos políticos. Eran también los proveedores de todo lo necesario para la seguridad y supervivencia de la familia; el abastecimiento de comida resultaba cada vez más difícil a medida que el tiempo transcurría. Anne escribió sobre la dedicación y sobre los esfuerzos para levantarles el ánimo durante los momentos más peligrosos. Ellos eran conscientes de que la pena por dar refugio a un judío en aquel momento era la capital.

A finales de julio, se les unió la familia van Pels: Hermann, Auguste, y Peter de 16 años, y más tarde en noviembre llegó Fritz Pfeffer, dentista y amigo de la familia. Anne escribió sobre lo bueno que era tener otras personas con quién hablar, pero las tensiones rápidamente se presentaron en este grupo de personas que debían compartir confinados este escondite. Luego de compartir su habitación con Pfeffer Anne terminó por considerarlo insoportable, y se peleó con Auguste van Pels, a quién consideraba fuera de sus cabales. Su relación con su madre se hizo difícil también y Anne escribió que sentía tener poco en común con ella por ser su madre demasiado abstraída. Aunque algunas veces discutió con Margot, escribió sobre un lazo inesperado que se había desarrollado entre ellas, aunque con quién se sentía más cercana era con su padre. Tiempo más tarde, también comenzó a apreciar la gentileza de Peter van Pels y hasta llegaron a tener sentimientos románticos.

Anne pasaba la mayor parte de su tiempo leyendo y estudiando, al tiempo que continuaba escribiendo en su diario. Además de narrar los eventos transcurridos, Anne escribía sobre sus sentimientos, creencias y ambiciones, temas de los que no hablaba. Al sentirse más segura sobre su forma de escribir, al mismo tiempo que crecía y maduraba, escribía sobre temas más abstractos, como sus creencias en Dios, o sobre cómo definía ella la naturaleza humana. Escribió regularmente hasta su anotación final, el 1 de agosto de 1944.

La mañana del 4 de agosto de 1944 la Grüne Polizei asaltó el achterhuis siguiendo una pista de un informador que nunca fue identificado[1]. Conducido por el Sargento del Cuerpo de Protección (SS) Karl Silberbauer del Servicio de Seguridad (SD), el grupo contaba con al menos tres miembros de la Policía de Seguridad. Los inquilinos fueron introducidos en camiones y trasladados para someterlos a interrogatorio. Victor Kugler y Johannes Kleiman fueron encarcelados, pero a Miep Gies y a Bep Voskuijl les permitieron marcharse. Más tarde regresarían al achterhuis, donde encontraron las anotaciones de Anne desparramadas por el suelo. Las recogieron, así como varios álbumes de fotos de la familia, y Gies se propuso devolvérselos a Anne cuando la guerra hubiese terminado.

Llevaron a los miembros de la casa a un campo en Westerbork. Siendo aparentemente un campo de tránsito donde hasta ese momento habían pasado más de 100.000 judíos, y el 2 de septiembre el grupo fue deportado en el que sería su último traslado desde Westerbork hasta el campo de concentración de Auschwitz. Tras tres días de viaje llegaron a su destino, y los hombres y mujeres fueron separados según su sexo, para no volverse a ver más. De los 1019 pasajeros, 549 – incluyendo niños menores de 15 años – fueron seleccionados y enviados directamente a las cámaras de gas en las que fueron asesinados. Anne había cumplido 15 años tres meses antes y se libró, y aunque todos los del achterhuis sobrevivieron a la selección, Anne creyó que su padre había sido asesinado.

Junto con las otras mujeres no seleccionadas para la muerte inmediata, Anne fue obligada a permanecer desnuda para ser desinfectada, le raparon la cabeza y le tatuaron un número de identificación en el brazo. Durante el día las mujeres eran usadas para realizar trabajos forzados y por la noche eran hacinadas en barracones frigoríficos. Las enfermedades se propagaban velozmente y en poco tiempo Anne terminó con la piel cubierta de costras.

El 28 de octubre comenzó la selección para reubicar a las mujeres en Bergen-Belsen. Más de 8,000 mujeres, Anne y Margot Frank y Auguste van Pels incluidas, fueron transportadas, pero Edith Frank se quedó atrás. Se levantaron tiendas para acoger la afluencia de prisioneros, entre ellos Anne y Margot, y a medida que la población aumentaba el índice de mortandad debido a enfermedades aumentó rápidamente. Anne pudo juntarse por un breve periodo con dos amigas, Hanneli Pick Goslar (llamada “Lies” en el diario) y Nanette Blitz, quienes sobrevivieron a la guerra. Contaron cómo Anne, desnuda salvo por un trozo de manta, les explicó que infestada de piojos, se había despojado de sus ropas. La describieron como calva, demacrada y temblorosa, pero a pesar de su enfermedad les dijo que estaba más preocupada por Margot, cuyo estado parecía más severo. Goslar y Blitz no llegaron a ver a Margot, que permaneció en su litera, demasiado débil como Anne les dijo que estaban solas, y que sus padres habían muerto.

En marzo de 1945 una epidemia de fiebre tifoidea se propagó por todo el campo; se estima que terminó con la vida de 17.000 prisioneros. Los testigos contaron más tarde que Margot, debilitada como estaba, se cayó de su litera y murió como consecuencia del golpe, y que pocos días después Anne también murió. Se cree que esto sucedió pocas semanas antes de que el campo fuese liberado por tropas británicas el 15 de abril de 1945, y aunque la fecha exacta no fue registrada, se considera que pudo ocurrir entre finales de febrero y mediados de marzo.

Tras la guerra, de los aproximadamente 110.000 Judíos que fueron deportados desde los Países Bajos durante la ocupación Nazi, sólo 5.000 sobrevivieron.

De los ocho inquilinos del achterhuis, sólo el padre de Anne sobrevivió. Herman Van Pels, fue gaseado justo tras la llegada del grupo a Auschwitz-Birkenau, el 6 de septiembre de 1944. Su esposa Auguste murió entre el 9 de abril y el 8 de mayo de 1945, en Alemania o en Checoslovaquia. Su hijo Peter murió el 5 de mayo de 1945 en el campo de concentración de Mauthausen, en Austria, después de ser trasladado andando desde Auschwitz.

El Dr. Friedrich Pfeffer, murió el 20 de diciembre de 1944 en el campo de concentración de Neuengamme. La madre de Ana, Edith Hollander, murió el 6 de enero de 1945, en Auschwitz-Birkenau. Johannes Kleiman y Victor Gustav Kugler, socios comerciales de Otto Frank que ayudaron a los anteriores mientras permanecieron escondidos, fueron arrestados por ayudar a la familia Frank. Ambos fueron sentenciados a realizar un Arbeitseinsatz (servicio de trabajo) en Alemania, y ambos sobrevivieron a la guerra.

Otto Frank sobrevivió y regresó a Ámsterdam. Fue informado del fallecimiento de su esposa, también fue informado de que sus hijas habían sido transferidas a Bergen-Belsen, quedando con la esperanza de que lograran sobrevivir. En julio de 1945, la Cruz Roja confirmó las muertes de Anne y Margot y fue sólo entonces cuando Miep Gies le dio el diario. Luego de leer el diario comentó no haberse dado cuenta de cómo Anne había mantenido un registro tan exacto y bien escrito de su estadía juntos. Tratando de cumplir póstumamente el deseo de Anne expresado en el diario de convertirse en escritora, decidió intentar hacerlo publicar. Al preguntársele muchos años después sobre su primera reacción, respondió sencillamente: «Nunca supe que mi pequeña Anne era tan profunda».

El diario de Anne se inicia como una expresión privada de sus pensamientos íntimos, expresando la intención de nunca permitir que otros lo leyeran. Describe cándidamente su vida, su familia y compañeros y su situación, mientras empieza a reconocer su ambición de escribir novelas y publicarlas. En el verano de 1944, escuchó una transmisión de radio de Gerrit Bolkestein— miembro del gobierno Holandés en el exilio— que decía que al terminar la guerra crearía un registro público de la opresión sufrida por la población de su país bajo la ocupación alemana. Mencionó la publicación de cartas y diarios, de manera que Anne decidió que contribuiría con su diario. Comenzó a corregir su escritura, a eliminar secciones y a reescribir otras, en vista de su publicación. A su cuaderno original, anexó varios cuadernos adicionales y hojas sueltas. Se creó pseudónimos para los miembros del grupo y sus benefactores. La familia van Pels se convirtió en Hermann, Petronella y Peter van Daan; Fritz Pfeffer pasó a llamarse Albert Düssell. Otto Frank utilizó la versión original del diario, conocida como “versión A”, y la versión corregida, conocida como “versión B”, para producir la primera versión para ser publicada. Retiró algunos pasajes, sobre todo aquellos en los que se refería a su esposa en términos poco halagadores, así como secciones en las que hablaba de detalles íntimos respecto a su floreciente sexualidad. Restauró las verdaderas identidades de su familia, pero retuvo los pseudónimos de las otras personas.

Frank llevó el diario a la historiadora Anne Romein, quien intentó publicarlo sin éxito. Luego se lo pasó a su esposo Jan Romein, quien escribió un artículo sobre el libro con el título de “Kinderstem” (“La voz de una niña”) en el periódico Het Parool el 3 de abril de 1946. Escribió que el diario “pausadamente expresado en la voz de una niña, muestra todos los odios del fascismo, mejor que las evidencias de los juicios de Nuremberg todas juntas” [1]. Su artículo atrajo la atención de los editores y el diario fue publicado en 1947, seguido de una reimpresión en 1950. Albert Hackett escribió una pieza de teatro basada en el diario, estrenada en Nueva York en 1955, que recibió el Premio Pulitzer de Teatro. La pieza fue llevada al cine en 1959 con el título El diario de Anne Frank. Fue protagonizada por la actriz Millie Perkins, y Shelley Winters, que caracterizó a la señora Van Pels, consiguió el Oscar a Mejor Actriz Secundaria, que entregará a la Casa de Anne Frank. La película obtiene una buena acogida y se hace acreedora de otros dos Oscar. Sin embargo, no se convierte en un gran éxito de taquilla, aunque despierta tal atención que aumenta el interés mundial por el libro. El diario ha crecido en popularidad con el pasar de los años, y es lectura obligatoria en bachillerato en varios países, y en varios estados de los Estados Unidos. En febrero de 2008 está previsto[2] el estreno en Madrid del musical El Diario de Ana Frank. Un Canto a la Vida [2]. Es la primera vez que la Fundación Anne Frank cede los derechos a una empresa para representar un musical sobre Anne Frank y su obra en todo el mundo.

En 1986, se publicó una edición crítica del diario . Compara secciones originales con secciones modificadas por el padre, e incluye una discusión relativa a su autenticidad así como datos históricos sobre su familia.

En 1988, Cornelis Suijk—antiguo director de la Fundación Anne Frank y presidente de la Fundación para la educación sobre el Holocausto de los Estados Unidos — anunció que había obtenido cinco páginas que habían sido eliminadas por Otto Frank del diario antes de su publicación; Suijk afirma que Otto Frank le entregó esas páginas poco antes de su muerte en 1980. Las páginas eliminadas contienen comentarios muy críticos de Anne Frank hacia la relación matrimonial de sus padres y hacia su madre [4]. La decisión de Suijk de reclamar derechos de autor sobre las cinco páginas para con ello financiar su fundación en los Estados Unidos causó controversia. El Instituto Holandés de Documentación de Guerra, actual propietario del manuscrito solicitó que le fueran entregadas las páginas faltantes. En 2000 el Ministerio Holandés de Educación, Cultura y Ciencia accedió a donar 300.000 dólares a la fundación de Suijk y las páginas fueron entregadas en 2001 [5]. Desde entonces, han sido incluidas en las nuevas ediciones del diario.

En 2004, se publicó un nuevo libro en Holanda, titulado Mooie zinnen-boek (“Libro de las bellas citas”), que contenía fragmentos de libros y poemas cortos que Anne recopiló, por consejo de su padre, durante su permanencia en el Achterhuis.

En su introducción a la primera edición americana del diario, Eleanor Roosevelt lo describió como “uno de los más sabios y conmovedores comentarios que he leído sobre la guerra y su impacto en los seres humanos”. El escritor soviético Ilya Ehrenburg diría más tarde: “una voz que habla por la de seis millones; la voz no de un sabio o un poeta, si no la de una muchacha corriente”. (enlace en inglés). A medida que ha crecido la talla de Anne Frank como escritora y humanista, se ha convertido en un símbolo del Holocausto y más ampliamente como una representante de la persecución. Hillary Rodham Clinton, en su discurso de acogida de un Premio Humanitario Elie Wiesel en 1994, citó del diario de Anne Frank y dijo que “nos despierta frente a la locura de la indiferencia y el terrible precio que supone para nuestros jóvenes”, que relacionó con los recientes acontecimientos ocurridos en Sarajevo, Somalia y Rwanda (enlace en inglés). Tras recibir el premio humanitario de la Fundación Anne Frank en 1994, Nelson Mandela se dirigió a una multitud en Johannesburgo, diciendo que había leído el diario de Anne Frank mientras estaba en prisión y que “obtuvo un gran aliento de él”. Comparó la lucha de Anne contra el nazismo con la suya propia contra el apartheid, trazando una línea paralela entre las dos filosofías con el comentario “porque estas creencias son evidentemente falsas, y porque fueron, y siempre serán, desafiadas por los semejantes a Anne Frank, están destinadas al fracaso”.

En el mensaje final de la biografía sobre Anne Frank de Melissa Müller, Miep Gies trató de disipar lo que creía era una creencia equivocada que iba en aumento, “Anne simboliza a los seis millones de víctimas del Holocausto”, escribiendo: “la vida y muerte de Anne era su propio destino, un destino individual que se repitió seis millones de veces. Anne no puede, y no debe, representar a los muchos individuos a los que los nazis robaron sus vidas… Pero su destino nos ayuda a aceptar la inmensa pérdida que sufrió el mundo por culpa del Holocausto”.

El diario ha sido también alabado por su mérito literario. Comentando el estilo de redacción de Anne, la dramaturga Meyer Levin que trabajó con Otto Frank en la dramatización del diario poco después de su publicación lo alabó por “mantener la tensión de una novela bien construida” , mientras que el poeta John Berryman escribió que era una representación única, no sólo de la adolescencia si no también del “proceso misterioso y fundamental de un niño que se convierte en adulto, como sucede en realidad” . Su biógrafa Melissa Müller dijo que escribió “en un estilo preciso, confiado y económico, pasmoso en su franqueza”. Su escritura es en gran parte un estudio de personajes, y examina a cada persona de su círculo con un ojo astuto, inflexible. Es de vez en cuando cruel y a menudo parcial, sobre todo en sus representaciones de Fritz Pfeffer y de su propia madre, y Müller explica que canalizó los “cambios de humor normales en la adolescencia” a través de su obra. Su examen de sí misma y de lo que la rodeaba se mantiene durante un largo período de tiempo de modo introspectivo, analítico, altamente autocrítico, y en los momentos de frustración relata la batalla que se libra en su interior entre la “Anne buena” que desea ser, y la “mala” que cree ser. Otto Frank recordó a su editor explicando por qué pensaba que el diario se leería tan extensamente, con el comentario “dijo que el diario abarca tantas etapas de la vida que cada lector puede encontrar algo que lo conmueva”.

Desafíos por parte de quienes niegan el Holocausto y acciones legales

Desde su publicación se ha puesto empeño en desacreditar el diario, y desde mediados de 1970 David Irving (historiador y negacionista del Holocausto) ha sido constante al aseverar que el diario no es auténtico . Según el también negacionista Robert Faurisson, el diario no fue realmente escrito por Anne Frank, ya que contiene páginas escritas con bolígrafo, inventado en 1938 y patentado en Argentina el 10 de junio de 1943, pero que no habría sido introducido en Alemania hasta un año después, fecha en la que Anne había sido ya trasladada al campo de concentración (2 de septiembre de 1944) y su diario estaba terminado. Las continuas declaraciones públicas hechas por quienes niegan el Holocausto llevaron a Teresien da Silva a comentar en 1999, en nombre de la Casa de Anne Frank, que “para muchos extremistas de derechas (Anne) demuestra ser un obstáculo. Su testimonio de la persecución de los judíos y su muerte en un campo de concentración están bloqueando el camino para la rehabilitación del nacional-socialismo”.

Desde los años 50 la negación del Holocausto ha sido una infracción criminal en algunos países europeos, y se ha hecho uso de la ley para prevenir un aumento de la actividad neonazi. En 1959 Otto Frank tomó acciones legales en Lübeck contra Lothar Stielau, un profesor de colegio y antiguo miembro de las Juventudes Hitlerianas que publicó un documento estudiantil en el que describió el diario como una falsificación. La corte examinó el diario y concluyó en 1960 que éste era auténtico. Stielau se retractó de su afirmación anterior, y Otto Frank no llevó su demanda más lejos.

En 1958 un grupo de manifestantes desafió a Simon Wiesenthal durante una representación del Diario de Anne Frank en Viena asegurando que Anne Frank nunca existió, y le pidieron que probase su existencia encontrando al hombre que la había arrestado. Empezó a buscar a Karl Silberbauer y lo encontró en 1963. Cuando fue entrevistado, Silberbauer admitió en seguida su papel, e identificó a Anne Frank en una fotografía como una de las personas que fueron arrestadas. Proporcionó una versión completa de acontecimientos y recordó haber vaciado en el suelo una maleta llena de papeles. Su declaración corroboró la versión de los hechos que había sido presentada anteriormente por testigos como Otto Frank.

En 1976 Otto Frank emprendió acciones contra Heinz Roth, de Fráncfort, que publicó folletos que indicaban que el diario era una falsificación. El juez decidió que si publicaba nuevas afirmaciones en esa línea sería condenado a pagar una multa de 500.000 marcos alemanes y se enfrentaría a una sentencia de seis meses de cárcel. Dos casos fueron desestimados por los tribunales alemanes en 1978 y 1979 amparándose en el derecho a la libertad de expresión, en vista de que la queja no había sido llevada a cabo por ninguna “parte perjudicada”. El tribunal declaró en cada caso que si se hacía una nueva petición desde una parte perjudicada, como Otto Frank, se podrían abrir diligencias por difamación.

La controversia llegó a su punto más alto en 1980 con el arresto y juicio de dos neonazis, Ernst Römer y Edgar Geiss, que fueron juzgados y encontrados culpables de la creación y distribución de impresos denunciando la falsedad del diario, a lo que siguió una querella de Otto Frank. Durante la apelación, un equipo de historiadores examinó los documentos de acuerdo con Otto Frank, y determinaron su autenticidad.

Con la muerte de Otto Frank en 1980, el diario original, incluyendo cartas y hojas sueltas, fue dejado en herencia al Instituto para la Documentación de la Guerra de los Países Bajos, que llevó a cabo en 1986 un estudio forense del diario a través del Ministerio de Justicia de los Países Bajos. Tras cotejar la caligrafía con ejemplares de autoría probada determinaron que coincidían, y que el papel, pegamento y tinta empleados eran fáciles de adquirir durante el período en el que se afirmaba que el diario había sido escrito. Su determinación final fue que el diario era auténtico. El 23 de marzo de 1990 el Tribunal Regional de Hamburgo confirmó su autenticidad.

El 3 de mayo de 1957 un grupo de ciudadanos, incluido Otto Frank, establecieron la Fundación Anne Frank en un esfuerzo por salvar el edificio Prinsengracht de la demolición, y para hacerlo accesible al público. Otto Frank insistió en que el propósito de la fundación sería el de fomentar el contacto y la comunicación entre jóvenes de diferentes culturas, religiones y razas, y oponerse a la intolerancia y a la discriminación racial.

La Casa de Anne Frank abrió sus puertas el 3 de mayo de 1960. Consiste en el almacén Opekta, las oficinas y el achterhuis, sin amueblar, para que los visitantes pudiesen caminar libremente por todas las habitaciones. Se conservan algunas reliquias personales de sus antiguos inquilinos, por ejemplo las fotografías de estrellas de cine pegadas en la pared por Anne, una porción del papel pintado sobre el que Otto Frank marcaba la altura de sus hijas mientras crecían y un mapa en la pared sobre el que registró el avance de las aliados, todo ello protegido ahora por láminas de plexiglás. Desde la pequeña habitación que fuera una vez hogar de Peter van Pels, un pasillo conecta el edificio con sus vecinos, también adquiridos por la Fundación. Estos otros edificios guardan el diario, así como exposiciones no permanentes que describen diversos aspectos del Holocausto y muestras más contemporáneas de la intolerancia racial en diversos lugares del mundo. Se ha convertido en una de las principales atracciones turísticas de Holanda, y cada año la visitan más de medio millón de personas.

En 1963 Otto Frank y su segunda mujer, Fritzi, establecieron el Anne Frank Fonds como una organización de beneficencia, con base en Basilea, Suiza. El Fonds recauda dinero para donarlo a las causas que lo necesitan. Tras su muerte, Otto legó los derechos sobre el diario al Fonds, con la cláusula de que los primeros 80.000 francos suizos producidos como beneficio cada año se distribuyeran entre sus herederos, y que cualquier ingreso por encima de esa cantidad se destinase al Fonds para su uso en los proyectos que sus administradores considerasen digno de ello. Proporciona, con carácter anual, financiación para el tratamiento médico de los Righteous Among the Nations. Se ha esforzado por educar a los jóvenes contra el racismo y ha prestado algunos de los manuscritos de Anne Frank al Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos en Washington, D.C. para una exposición en 2003. Su informe anual para ese mismo año dio cierta cuenta de su esfuerzo para realizar contribuciones a nivel global, con su apoyo a proyectos en Alemania, Israel, India, Suiza, el Reino Unido y los Estados Unidos .

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A mediados de los años cincuenta, se presentó un fenómeno totalmente nuevo: jóvenes que no mostraban ningún respeto por los logros conseguidos a pulso por sus padres. Estos jóvenes se llamaban a sí mismos nozems (gamberros), escuchaban un nuevo tipo de música, bebían cerveza y salían a bailar por la noche. En Estados Unidos, Elvis Presley editó en 1956 la canción “Heartbreak Hotel” que casi directamente se convirtió en un éxito. A este tipo de música se le llamó rock “n roll: una mezcla de rhythm and blues y country western. Era el principio de la música pop. El “rock” se difundió por el mundo entero gracias a la pelí cula “Rock around the Clock” de Bill Haley (1956). La forma de bailar salvaje que iba con esta música no gustaba ni a los padres ni a los dirigentes de los partidos políticos. Consideraban esta música una barbaridad y un descarrilamiento de la juventud. Además de Elvis Presley y Bill Haley, cuatro j óvenes británicos se hicieron también famosos en el mundo entero. Eran los ” Beatles” y enseguida apareció otro grupo de músicos jóvenes, los “Rolling Stones “. Con la música de estos grupos nació también el conflicto generacional. Los niños del boom de natalidad que se produjo después de la Segunda Guerra Mundial se habían convertido en adolescentes que se dejaban el pelo largo y que se resistían al orden establecido. El pelo largo se convirtió en un signo de protesta.

El 10 de marzo de 1966, la princesa Beatrix y el alemán Claus von Amsberg contrajeron matrimonio en Amsterdam. Esta boda provocó disturbios violentos en la capital, en los cuales un grupo de jóvenes que se autodenominó Provo desempe ñó un papel importante. El movimiento Provo, que el estudiante Roel van Duyn fundó en 1965, se oponía al poder del gran capital y dirigía campañas contra la bomba atómica. Aunque el efecto de estas protestas era limitado, el movimiento Provo se hizo famoso a nivel nacional e internacional debido al ” plan alternativo de las bicicletas blancas”, con el cual querían librar de coches el centro de Amsterdam. A menudo, Provo puso en aprietos al Gobierno con sus campa ñas lúdicas. Muchos jóvenes, sobre todo estudiantes, adoptaron las mismas posturas que Provo en lo referente a la hipocresía de la sociedad del bienestar y por lo tanto también influyeron en los partidos políticos. Una nueva generaci ón de jóvenes progresistas se metió en política en los años sesenta. Es en parte gracias a ellos que en los Países Bajos se introdujo una de las legislaciones sociales más extensas e indulgentes del mundo.

A raíz de la independencia de las colonias, mucha gente de esas zonas vino a vivir a los Países Bajos en los años sesenta. Muchos indonesios, seguidos despu és por surinameses y antillanos se establecieron en los Países Bajos, con lo cual la sociedad neerlandesa adquirió un carácter muy pluralista.

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El Katholieke Volkspartij (KVP) y el Partij van de Arbeid (PvdA) dominaron el Gobierno entre 1946 y 1958. Willem Drees (1886-1988) del PvdA estuvo diez años al frente de estos gabinetes. Junto con Carl Paul Romme del KVP, la coalición roja-católica se hizo con una amplia base de apoyo, con la cual se dio forma a la reconstrucción y a un nuevo sistema social. Sobre todo la previsión de vejez, precursora de la Ley General de Vejez, le granjeó a Drees una popularidad sin precedentes. El pueblo neerlandés le llamaba con cariño “papaíto Drees”.

Para que se llevara a cabo satisfactoriamente la reconstrucción, se pidió a los patrones y a los empleados que mantuvieran la armonía necesaria para asegurar la recuperación económica. Esta armonía se consiguió mediante consultas estructuradas celebradas en la fundación Stichting van de Arbeid, fundada en 1945 y en la que colaboraban patronales y sindicatos. El Gobierno se encargó de implantar una política de salarios y precios estricta. En 1950 se estableció la Ley sobre Organizaciones Empresariales de Derecho Público. Así, se reguló la formación de corporaciones de productos y de empresas de las que se debían hacer miembros todos los profesionales. Estas corporaciones pueden dictar ordenanzas vinculantes. Además, se creó el Sociaal Economische Raad (SER, Consejo Econó mico y Social). El SER funciona como eslabón entre el Gobierno y las empresas, y está constituido de la siguiente manera: una tercera parte por representantes de las empresas, una tercera parte por representantes sindicales y una tercera parte por miembros nombrados por su pericia. Por sus consejos, el SER ha ido adquiriendo un papel importante en la política socioeconómica del Gobierno neerlandés.

Los Países Bajos recibieron más de mil millones de dólares de apoyo econó mico a través del plan norteamericano Marshall. Esta ayuda se utilizó de forma eficiente para restablecer la productividad. Además, cuando en Alemania del Oeste, el principal socio comercial de los Países Bajos, se produjo el ” Wirtschaftswunder” (milagro económico), también los Países Bajos se beneficiaron.

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Tras la Primera Guerra Mundial estallaron revoluciones socialistas en muchos países europeos. En 1917 ya había ocurrido en Rusia, donde los bolcheviques hab ían conseguido hacerse con el poder. En los Países Bajos, el partido socialista SDAP también pensaba que ya era hora de que el proletariado tomase el poder. Pieter Jelles Troelstra, el dirigente político del SDAP, pronunció un discurso apasionado ante el Congreso en el que más o menos pidió al Gobierno que hiciese sitio a su partido SDAP. Sin embargo, se equivocó en cuanto al apoyo de sus bases que le abandonaron masivamente y siguieron apoyando al Gobierno y a la reina. Los Países Bajos ingresaron en la Sociedad de las Naciones, precursora de las Naciones Unidas, que se fundó para aumentar la cooperación internacional y para fomentar la paz y la seguridad en el mundo. En 1922, entró en vigor una nueva constitución en la que se estipuló el sufragio universal para las mujeres. También se dejó abierta la posibilidad de dar más autonomía a las colonias. En 1929, el crack bursátil en la bolsa de Nueva York sobresaltó al mundo. La consecuencia fue una grave crisis económica mundial. Los Países Bajos y las Indias neerlandesas también lo pasaron muy mal. A causa de las ideas económicas liberales imperantes en aquel momento, al principio se creía que la crisis pasaría sola y que luego se produciría una fuerte reactivación económica. Al mantener muy vinculado el florín al patrón oro, la crisis empeoró y las exportaciones tocaron fondo. Las repercusiones fueron grandes. En 1935, el 40 por ciento de la población activa de los Países Bajos estaba en paro. Los Paí ses Bajos no dejaron hasta 1936 el patrón oro, siendo el último país en hacerlo. El periodo transcurrido entre las dos guerras mundiales también presentó otra imagen, la de la nueva moda, el nuevo jazz, el cine y la aparición de la radio. Estas novedades iban llegando a Europa desde América. La indumentaria se hizo más informal, sobre todo la de señoras. En los nuevos cines echaban pelí culas de Hollywood y cuando se salía se bailaba al son de la música jazz. La primera emisión de radio en los Países Bajos fue en 1924. Ese año se fundó la organización pública de radiodifusión Algemeene Vereeniging Radio Omroep (AVRO). Esa organización no estaba vinculada a una corriente política o religiosa determinada. Una “organización pública de radiodifusión general” era demasiado general para la sociedad neerlandesa en la que cada grupo estaba muy centrado en su propia identidad. Por consiguiente, después de AVRO se crearon también las organizaciones públicas de radiodifusión Nederlandse Christelijke Radio Vereeniging (NCRV, de ideología cristiana), Katholieke Radio Omroep (KRO, cató lica), Vereeniging van Arbeiders Radio Amateurs (VARA, socialista) y por último Vrijzinnig Protestantse Radio Omroep (VPRO, protestante liberal). Todas estas organizaciones siguen cubriendo los espacios radiotelevisivos hasta la fecha. A nivel cultural, sobre todo destacaron y se hicieron famosos los arquitectos neerlandeses Jacobus Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietveld y el pintor Mondriaan. Colaboraban en la revista “De Stijl” fundada por Theo van Doesburg en 1917. Los principios de De Stijl eran, entre otros, eliminar cualquier referencia a cualquier parte de la realidad observable. Sobre todo Piet Mondriaan aplicó este principio en sus cuadros hasta las últimas consecuencias. La influencia de De Stijl en el arte moderno ha sido grande. No sólo ha influido en la arquitectura, en la pintura y en la escultura, sino que también ha impulsado a poetas y a escritores a hacer patente y plasmar la armonía universal, la ley que domina el universo y al hombre. La reina madre Emma y el príncipe Enrique, consorte de la reina Guillermina, fallecieron en 1934. La única hija del matrimonio, la princesa Juliana, se casó con el joven príncipe alemán Bernhard van Lippe-Biesterfeld en 1937. El matrimonio tuvo cuatro hijas, de quienes la princesa Beatrix era la heredera de la corona.

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Al haber hecho siempre declaraciones positivas en cuanto a la legislación social, se esperaba mucho de él. Como la legislación social se hacía esperar, en 1903 se produjo una gran huelga ferroviaria. Esta huelga se extendió a otros ramos. Kuyper actuó con mano dura contra los huelguistas. Adem ás, se prohibió legalmente hacer huelga a los funcionarios. Sin embargo, enseguida se dictaron varias leyes a nivel social tras esas huelgas, aunque el cumplimiento de las mismas dejó mucho que desear. Abraham Kuyper, fundador y dirigente político del Partido Antirrevolucionario, se convirtió en 1901 en el primer presidente del Gobierno neerlandés en el sentido moderno de la palabra. También actuó como predicador en cuestiones religiosas y se convirtió en el portavoz de los fieles ortodoxos sencillos, a los que también se les llamaba “gentes sencillas”. Quería mantener la ortodoxia calvinista, aunque adaptada a los cambios sociales. Debía pasarse a una “iglesia libre”, en la que las comunidades fueran autónomas. Sin embargo, serían dirigidas por un sínodo (dirección religiosa) dominado por la burguesía liberal. Al final esta situación desembocó en un cisma dentro de la Iglesia Reformada Holandesa. Al otro lado del espectro político había también un predicador: Ferdinand Domela Nieuwenhuis, fundador del primer movimiento socialista en los Países Bajos, la Federación Socialdemócrata (SDB). La ideología de la SDB era revolucionaria, antieclesiástica y antimonárquica. Domela se oponía por principios a todas las formas de parlamentarismo. Sentía mucha aversión hacia los bandeos políticos y tácticos. Esta aversión llegaba hasta tal extremo que consiguió convencer a la SDB de que no participara en las elecciones de 1893. Este acto desembocó en la creación de un nuevo partido político en 1894, el Partido Obrero Socialdemócrata (SDAP). La ideología de este partido se fundaba en el marxismo. Pieter Jelles Troelstra fue el hombre más importante del partido. Fue el jefe del grupo parlamentario hasta 1925. Además de las reformas políticas, en el periodo comprendido entre 1870 y 1920 la vida científica y cultural volvió a florecer también. En La Haya se formó ” La Escuela de La Haya”. Varios pintores como Jozef Israëls, J.H. Weissenbruch, Jacob y Willem Maris y Anton Mauve prosiguieron de forma impresionista la tradición de los paisajistas del Siglo de Oro. Vincent van Gogh, que figura entre los pintores más famosos de los Países Bajos, desarrolló un estilo totalmente propio. El cuadro “Los comedores de patatas” es una de sus obras maestras. Mientras que en sus primeras obras plasmó abusos sociales, más tarde empezó a pintar de forma expresionista paisajes y escenas cotidianas. Hacia 1880, en la literatura neerlandesa surgió el movimiento denominado “La generaci ón de los ochenta”. Los poetas jóvenes buscaban la innovación de la poesía mediante las fórmulas “El arte por el arte” y “Forma y contenido son todo uno”. Publicaban sus poesías en la revista “De nieuwe Gids” (La guía nueva). Willem Kloos, Albert Verwey y Jacques Perk, así como Herman Gorter, Henriëtte Roland Holst y Frederik van Eeden pertenecieron a este movimiento. A nivel científico, gracias a los físicos Hendrik Antoon Lorentz (premio Nobel 1902), Pieter Zeeman (premio Nobel 1902) y Heike Kamerlingh Onnes (premio Nobel 1913), los Países Bajos volvieron a ocupar un lugar destacado dentro de las ciencias. El meteorólogo Buys Ballot, el biólogo Hugo de Vries y el jurista Tobias Asser, que recibió el Premio Nobel de la Paz en 1911, contribuyeron a ello. El arquitecto Hendrik Petrus Berlage (1856-1934) se hizo famoso por haber construido el edificio de la bolsa de Amsterdam, el Museo Municipal de La Haya y el barrio Amsterdam-Sur.

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